Martyrdom & Luxury by Felipe Ferla

Notas originais

As peças presentes neste álbum demonstram, de forma efetiva, um conjunto de preocupações minhas originalmente instintivas e posteriormente sistemática oriundas dos últimos 3 anos, que complementam meu interesse com os subúrbios e suas muitas idiossincrasias. Juntamente com as questões puramente musicais descritas, é também necessário esclarecer que a minha formação como arquiteto e em particular a meus estudos de pós-graduação na disciplina informaram uma parte considerável do meu raciocínio compositivo, particularmente no uso da modularidade, na concepção do trabalho como um grid tridimensional (ou mesmo quadridimensional), no tratamento do som em termos de planos, volumes, massas etc.

A primeira dessas preocupações refere-se a procedimentos estritamente instrumentais, exemplificados pelas duas peças para sintetizador modular do álbum "Martyrdom" elaboradas em 2021, "In Memory of a Past Weekend" e "Mother-of-Pearl". Ambas são estruturados a partir de ciclos rítmicos – na primeira peça é empregado um ciclo de 16 pulsos em que notas individuais são adicionadas gradualmente até que o compasso seja preenchido, sendo então subtraídas. A segunda peça é baseada em ciclos de 6, 12, 20, 30, 42, 56, 42, 30, 20, 12 e 6 pulsos realizados por 2 vozes em diferentes métricas (3/8-2/8, 4/8-3/8, 5/8-4/8, 6/8-5/8, 7/8-6/8 e 8/8-7/8), e em cada um desses ciclos (de até 56 pulsos) notas são adicionadas no final de cada frase e posteriormente subtraídas no início deles.

Além desses aspectos rítmicos, a linguagem melódica e harmônica utilizada nessas peças alude às minhas preocupações com modos e estase. As duas peças empregar o modo mixolídio e lídio respectivamente, os mesmos presentes em parte da música folclórica do Rio Grande do Sul devido à construção da gaita-ponto, um instrumento tradicional cuja configuração facilita execução das cadências I-IV-V, possibilitando, assim, o eventual rearranjo desses acordes em cadências mixolídias e lídias. Em termos harmônicos, na primeiro peça, empreguei o ison, um tipo drone ou nota de mobilidade limitada cuja função na música bizantina e naquelas influenciados por ela (o iso-polifonia da Albânia ou a música vocal praticada pelos monges do Valaam Mosteiro na Rússia) é fornecer o acompanhamento para a melodia principal. Juntamente com esses procedimentos rítmicos, melódicos e harmônicos, vários tipos de delays também foram utilizados para multiplicar as linhas monofônicas originais executadas pelo o sintetizador analógico, produzindo vários acentos rítmicos e arranjos de notas com contraponto variável, subprodutos sonoros originalmente não planejados nas etapas compositivas das peças.

As peças presentes no álbum "Luxury" foram concebidas, ao contrário das do álbum "Martyrdom", a partir de preocupações acusmáticas, ou seja, aquelas relacionadas ao fato de que a música foi composta para difusão através de alto-falantes e todo o aparato associado a esse equipamento. Ambas as obras (compostas em 2020), "Intimate Banalities" e "Panegyric #1", são caracterizados pela falta de um pulso aparente, múltiplas camadas sonoras e uma lenta evolução deste material de forma que suas várias configurações incutem um tipo de música que não é segmentada no tempo, mas sim, ocorre como um momento contínuo.

"Intimate Banalities" foi concebido a partir de gravações de guitarra elétrica, sintetizador modular e sons gerados por computador em 13 camadas distintas, cada uma contendo permutações da mesma escala hexatônica reproduzida horizontalmente (melodias) e verticalmente (harmonias). Essas camadas foram organizadas em um grid padrão e, em seguida, uma série de operações relacionadas a subtrações e deslocamentos organizaram temporal e espacialmente todo o material. Pelo fato de que toda a peça é estruturada em um grid, a música funciona de forma modular, isto é, os sons não têm uma hierarquia clara – não há elemento mais importante do que qualquer outro, sem fundo ou primeiro plano - implicando que uma sensação de tensão e a relaxamento está ausente. Essa dedução também sugere que diferentes organizações destas camadas são possíveis utilizando os princípios acima referidos, tornando este peça um compêndio de algo que poderia ser muito maior ou menor em termos de tempo e espaço.

"Panegyric # 1" foi composta com diferentes gravações (40 no total) que datam de 2006 (quando eu tinha 13 anos) até 2020, não com o objetivo de fixar uma narrativa linear em termos musicais, mas circunscrever uma atmosfera que envolve esse mesma narrativa. Empregando gravações de campo, experimentos com fita, instrumentos preparados, sintetizadores e equipamentos eletrônicos danificados, esses sons foram posteriormente manipulados digitalmente e organizados em um procedimento de "esquecimento voluntário". Ou seja, uma determinada passagem foi elaborada e depois apagada, sendo então reconstituído de memória. Usando tal técnica repetidamente na mesma parte ou em diferentes partes da peça, certos detalhes do material original começam a se perder em termos de organização ou mesmo de textura (já que a memória nunca é completamente confiável) e novos surgiram em seus lugares. O resultado pode ser considerado como uma espécie de mitologia sonora pessoal no sentido de que todos os sons empregados referem-se a certos arquétipos nos quais minha linguagem musical se baseia, no entanto, alterado de forma a sugerir metáforas ou alegorias, seja eles do âmbito privado ou não.

Felipe Ferla da Costa
Canoas
Junho, 2021


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Original Notes

The pieces on this album effectively demonstrate a set of instinctive and later systematic concerns that have arisen over the past 3 years, which complement my interest in the suburbs and their many idiosyncrasies. Along with the purely musical issues described, it is also necessary to clarify that my training as an architect and in particular my postgraduate studies in the discipline have informed a considerable part of my compositional thinking, particularly in the use of modularity, in the conception of the work as a three-dimensional (or even four-dimensional) grid, in the treatment of sound in terms of planes, volumes, masses, etc.

The first of these concerns refers to strictly instrumental procedures, exemplified by the two pieces for modular synthesizer from the album "Martyrdom" created in 2021, "In Memory of a Past Weekend" and "Mother-of-Pearl". Both are structured around rhythmic cycles – the first piece employs a 16-beat cycle in which individual notes are gradually added until the bar is filled, and then subtracted. The second piece is based on cycles of 6, 12, 20, 30, 42, 56, 42, 30, 20, 12 and 6 beats performed by 2 voices in different meters (3/8-2/8, 4/8-3/8, 5/8-4/8, 6/8-5/8, 7/8-6/8 and 8/8-7/8), and in each of these cycles (up to 56 beats) notes are added at the end of each phrase and subsequently subtracted at the beginning of them.

In addition to these rhythmic aspects, the melodic and harmonic language used in these pieces alludes to my concerns with modes and stasis. The two pieces employ the mixolydian and lydian modes respectively, the same ones present in some of the folk music of Rio Grande do Sul due to the construction of the gaita-ponto (button accordion), a traditional instrument whose configuration facilitates the execution of the I-IV-V cadences, thus enabling the eventual rearrangement of these chords in mixolydian and lydian cadences. In harmonic terms, in the first piece I employed the ison, a type of drone or note of limited mobility whose function in Byzantine music and in those influenced by it (the iso-polyphony of Albania or the vocal music practiced by the monks of the Valaam Monastery in Russia) is to provide accompaniment to the main melody. Along with these rhythmic, melodic and harmonic procedures, various types of delays were also used to multiply the original monophonic lines played by the analogue synthesizer, producing various rhythmic accents and arrangements of notes with variable counterpoint, sonic by-products originally unplanned in the compositional stages of the pieces.

The pieces on the "Luxury" album were conceived, unlike those on the "Martyrdom" album, from acousmatic concerns, that is, those related to the fact that the music was composed to be played through loudspeakers and all the apparatus associated with this equipment. Both works (composed in 2020), "Intimate Banalities" and "Panegyric #1", are characterized by the lack of an apparent pulse, multiple sonic layers and a slow evolution of the material in a way that its various configurations instill a type of music that is not segmented in time, but rather occurs as a continuous moment.

"Intimate Banalities" was conceived from recordings of electric guitar, modular synthesizer and computer-generated sounds in 13 distinct layers, each containing permutations of the same hexatonic scale played horizontally (melodies) and vertically (harmonies). These layers were organized in a standard grid and then a series of operations related to subtractions and displacements organized temporally and spatially all the material. Because the entire piece is structured in a grid, the music functions in a modular way, that is, the sounds do not have a clear hierarchy – there is no element more important than any other, no background or foreground – implying that a sense of tension and release is absent. This deduction also suggests that different organizations of these layers are possible using the above principles, making this piece a compendium of something that could be much larger or smaller in terms of time and space.

"Panegyric #1" was composed from different recordings (40 in total) dating from 2006 (when I was 13) to 2020, not with the aim of fixing a linear narrative in musical terms, but to circumscribe an atmosphere that surrounds that same narrative. Employing field recordings, tape experiments, prepared instruments, synthesizers and damaged electronic equipment, these sounds were later digitally manipulated and organized in a procedure of "voluntary forgetfulness". That is, a certain passage was elaborated and erased, then reconstructed from memory. By using this technique repeatedly in the same or different parts of the piece, certain details of the original material begin to be lost in terms of organization or even texture (since memory is never completely reliable) and new ones appear in their place. The result can be considered as a kind of personal sonic mythology in the sense that all the sounds used refer to certain archetypes on which my musical language is based, however, altered in such a way as to suggest metaphors or allegories, whether they are of a private nature or not.

Felipe Ferla da Costa
Canoas
June, 2021

Compositor, instrumentista (principalmente guitarra elétrica e eletrônica), e atualmente doutorando em Arquitetura em Porto Alegre, Brasil.

Composer, instrumentalist (mainly electric guitar and electronics), and currently a PhD student in Architecture in Porto Alegre, Brazil.